Образ Мистецтва

Чарівні картини канадського художника Річарда Савойя

Написано Образ Мистецтва

Річард Савойя (Richard Savoie) – талановитий канадський художник, що створює роботи в техніці пастель.

З дитинства його надихали красиві пейзажі. Завдяки рідкісному природному чуттю і прагненню пізнати таємниці майстерності, він навчився створювати воістину живі картини. Йому підвладне справжнє чаклунство фарб і тіней. Досить поглянути на його картину, як відразу переносишся в далеке містечко за океаном, відчуваючи усі нюанси того, що відбувається. Особливим світлом наповнена серія робіт Річарда “Різдвяний ноктюрн”.

Ми хочемо поділитися з вами цими затишними сніговими картинами, які дарують тепло.

hudozhnik Richard Savoyya 1

hudozhnik Richard Savoyya 2

hudozhnik Richard Savoyya 3

hudozhnik Richard Savoyya 4

hudozhnik Richard Savoyya 5

hudozhnik Richard Savoyya 6

hudozhnik Richard Savoyya 8

hudozhnik Richard Savoyya 9

hudozhnik Richard Savoyya 10

hudozhnik Richard Savoyya 11

hudozhnik Richard Savoyya 12

hudozhnik Richard Savoyya 13

hudozhnik Richard Savoyya 14

hudozhnik Richard Savoyya 15

Читати далі →

Зимове мистецтво

Написано Образ Мистецтва

“И вот сама идет волшебница зима”… Ці рядки Пушкіна вмить спадають на думку, коли думаєш про зиму. Позаду дощі і тумани, усі з нетерпінням чекають пухнастого снігу, веселих забав, зимової казки і, звичайно, Різдва.

Художникам чекати зими необов’язково – вони можуть створити її по своїй волі, ожививши полотна. У кожного з живописців своя зима: у одного – радісна і довгожданна, у іншого – непередбачувана і лякаюча. Краса завжди таїться в неоднозначності, так що дивимося і насолоджуємося тим, що нам до душі, адже кожен вибирає своє.

Пам’ятай про вічне

Нідерланди, XVI століття, зима… “Серенаду сонячної долини” ще не зняли, радіо теж доки не винайшли, як і лампочку. Та і кіно не було. А ось ковзани були! На дерев’яній основі, в яку вставлялися металеві смужки, що кріпилися до взуття ременями. Виглянуло сонечко, вийшли старі і молоді на лід і давай веселитися, насолоджуючись катанням і коротким світловим днем. А художник на ім’я Пітер Брейгель зафіксував усе це на безсмертному полотні.

“Пейзаж з ковзанярями і пасткою для птахів” – маленька картина, написана живописцем в 1565 році, – завжди користувалася особливою популярністю. Сьогодні відомі 127 її копій, 45 з яких належать кисті Брейгеля-молодшого, сина художника. Здавалося б, тихо-мирна ідилія. Тільки до чого тоді пастка для птахів? Брейгель був би не Брейгель, якщо б не зашифрував на полотні таємну думку.

Художник не раз писав річку, по якій рухаються люди, – хтось ковзає, хтось падає і встає, а хтось зупинився. Це річка людського життя, а в нашому випадку, можливо, і пастка: у будь-яку мить лід може репнути, і крихітні фігурки назавжди зникнуть з лиця землі. Життя людини крихке і ефемерне. Як і життя птахів, непідозрюючих про пастку. Художники того часу завжди нагадували людям про тлінність земного існування, щоб ті пам’ятали про вічне.

Інші часи – інші фарби

У Кустодиєва, художника часів XIX – XX віків, вже ніякого прихованого змісту. Лише радість буття і справжні веселощі масниці. Святковий день, сани, дзвоники – урочистість життя, радості і достатку, судячи з вивіски “Сыръ и Икра”. Тут зима, мила кожному серцю, тому що і погляд на життя вже був іншим: живи сьогодні, милуйся красою і буйством фарб.

Відшумів день з його сніговою погодою, мокрі рукавички сохнуть біля вогню, і там же зібралася уся сім’я – послухати захоплюючі зимові казки під тріск дров в каміні.

І ось з крижаної холоднечі народжується Снігуронька. Не та весела внучка Діда Мороза, що водить хороводи з діточками, а та, що наважилася полюбити хлопця з плоті і крові і поплатилася за це, розтанувши без сліду. Снігуроньку теж зображували по-різному. У Врубеля вона декоративна і великоока, в чудовому наряді а-ля модерн – ніби і снігова, але виглядає і тримається з кокетливою упевненістю в оточенні сніжинок замість головного убору. Така може і не розтанути – пристосується до земної круговерті.

Зовсім інша – класична – Снігуронька у Васнецова: перелякана, така, що тільки вийшла з лісу, не знає, що її чекає у незнайомому світі, але що передчуває – нічого хорошого. Чарівна красуня вже готова заплакати та не може – тільки безнадійно розводить руками.

Такі різні птахи

Пухнастий сніг на полотнах художників повітряний і іскриться усіма відтінками білого. Саме такий він на картині Клода Моне “Сорока”. Від неї погляд відвести неможливо – очі сліплять сонячні відблиски, легені наповнюються уранішнім морозним повітрям. Це саме втілення веселої і мирної зими. Проте критики XIX століття обхаяли картину безбожно.

Зовсім інша зима на картині Каспара Фрідріха “Охотник в лісі”. У цього містичного німецького художника зима завжди небезпечна, темна і страшнувата. І навіть птах на цій картині далеко не такий милий, як сорока Моне – швидше, це чорний ворон безвиході. Картина була прийнята сучасниками дуже прихильно.

Час виніс із картин Моне і Фрідріха зовсім інший вердикт: зараз тисячами розходяться репродукції “Сороки” Моне, а за оригінали його полотен багаті колекціонери викладають мільйони доларів.

Тепла радість буття

У святі Різдва багато сенсів, але передусім, це веселий гармидер, сімейний затишок і щастя. Усе це оживає на полотнах знакового Різдва, шведського художника Карла Ларсона. Він не просто живописець, фактично він започаткувує все те, що зараз називають “скандинавським стилем” в дизайні та інтер’єрі.

Дитинство художника не можна було назвати ні щасливим, ні безтурботним. Сім’я тулилася в трущобах, мати працювала без кінця, батько пив і нещадно бив дружину і дітей. У таких випадках, як правило, є два варіанти: або людина тупає по батьківській стежинці, або будує радикально протилежне життя. На щастя, з Ларсоном сталося друге. Спочатку все йшло не дуже весело: обдарований хлопець не доїдав і брався до будь-якої роботи, щоб мати можливість отримати художню освіту. Здавалося, потреба і сіре безрадісне існування стануть його довічними супутниками. Але хтось там вгорі зглянувся над талановитим юнаком, різко змінивши декорації.

Йому судилося було зустріти художницю Карин Бергьо, що стала його дружиною. Вони прожили в згоді усе життя, народивши вісім дітей. Жили в дивовижному і світлому будинку, інтер’єр якого створили своїми руками. Карин, що походила із забезпеченої сім’ї, виявилася унікальною домогосподаркою: ткала, шила, придумувала меблі, виховувала дітей в радості. Карл фіксував цю сімейну хроніку у своїх творах. В результаті, вийшла тепла сага про радість буття.

Один за другим виходили альбоми з акварелями Карла Ларсона, де було зображене життя його сім‘ї. Книга оповідань, малюнків та акварелей художника «Дім під сонцем» побила всі рекорди популярности спочатку в Швеції, а потім і у всьому світі.

До Ларссонів стандартну обстановку в шведському будинку складали важкі темні масивні меблі, які буквально давили своїми масштабами. А вони змогли показати, що можна створити іншу реальність, в якій красиво і комфортно, – з м’якими і плавними лініями, світлими кольорами, простотою і функціональністю.

Різдво – це завжди вищий прояв радості, очікування щастя, тому художник з таким задоволенням зображував святвечір, і картини, перетворюючись на листівки, сотнями розліталися в різні куточки землі і продовжують розлітатися до цього дня. Багато в чому завдяки палітрі Ларсона червоний став офіційним кольором Різдва. До речі, їх будинок зберігся і понині, і багато шведів вкажуть містечко Сундборн як must-have для туристичного візиту, оскільки вони дуже поважають свого земляка. Репродукції картин художника красуються мало не в кожному другому шведському будинку. Недивно, бо творчість Ларсона служить талісманом любові, сімейного щастя і затишку.

Кожен може вибирати ту зиму, яка йому до душі. Але все-таки дивитися на неї очима Пушкіна, як на красуню і чарівницю, мабуть, цікавіше. Адже в наших широтах вона все одно неминуча, тож краще вітати її з любов’ю. Красивої, пухнастої і затишної усім зими!

Читати далі →

Леонардо да Вінчі: геній чи божевільний?

«Хто знає все, той може все. Тільки б дізнатися – і крила будуть! ».

Леонардо да Вінчі

Зроблені да Вінчі винаходи і відкриття охоплюють понад 50 галузей знань, повністю передбачаючи напрямки розвитку сучасної цивілізації. В 1499-му Леонардо для зустрічі французького короля Людовика XII сконструював дерев’яного механічного лева, який зробивши кілька кроків, розпахував свою грудну клітку і показував нутрощі, заповнені ліліями.

Вчений є винахідником скафандра, підводного човна, пароплава, ластів. У нього є рукопис, в якому описується можливість занурення на велику глибину без скафандра завдяки використанню особливої ​​газової суміші, секрет якої він свідомо знищив. Щоб її винайти, необхідно було добре розбиратися в біохімічних процесах людського організму, які абсолютно не були відомі в той час.

Це він першим запропонував встановлювати на броньованих кораблях батареї вогнепальних знарядь і таким чином подав ідею броненосця.

Леонардо винайшов вертоліт, велосипед, планер, парашут, танк, кулемет, отруйні гази, димову завісу для військ, збільшувальне скло (ще за 100 років до Галілея).

Да Вінчі винайшов текстильні машини, ткацькі верстати, машини для виготовлення голок, потужні підйомні крани, системи осушення боліт за допомогою труб, арочні мости. Він створив креслення комірів, важелів і гвинтів, призначених піднімати величезні тяжкості, – механізми, яких не було в його час.

Вражає, що Леонардо докладно описує ці машини і механізми, хоча їх і не можна було зробити в той час через те, що тоді не знали шарикопідшипників. Тільки в малюнках Леонардо започатковувались ідеї таких механізмів.

Іноді здається, що да Вінчі просто хотів дізнатися якомога більше про цей світ, збираючи інформацію. Навіщо вона йому була потрібна в такому вигляді і в такій кількості? Відповіді на це питання він не залишив.

Навіть через п’ять століть загадки і таємниці генія епохи Відродження не перестають дивувати наших сучасників.

Леонардо був шульгою, писав справа наліво в дзеркальному зображенні. Ранні його записи зовсім не читані, але з часом дзеркальне письмо набуло певної форми та стилю.

Встановивши накреслення окремих літер, деякі дослідники навчилися читати його звичайно, справа наліво. Здавалося б – ключ знайдений! Але нерозбірливість почерку – це півбіди. Леонардо ще мав звичку писати по слуховому методу, то поділяв склади одного слова, то несподівано складав кілька слів в одне. Додайте до цього неосяжність знань, доступних лише фахівцям різних областей. Все це не могло не вводити дослідників в оману. Ось тому майже всі таємниці генія залишаються для людства нерозгаданими.

Більшість робіт майстра закладені шифруваннями, щоб його ідеї розкривалися поступово, у міру того, як людство до них “дозріє”. Вчені тільки в минулому році, через п’ять століть після смерті Леонардо да Вінчі, зуміли розібратися в проекті його саморушного візка і побудувати його. Цей винахід можна сміливо назвати попередником сучасного автомобіля.

Тут ми і поставимо питання: чим відрізняється божевільний від людини з ясними свідомістю та мисленням? Друга бачить свої помилки, непродумані вчинки та має критичне мислення, і разом з цим намагається їх виправити, або, хоча б, не висвітлювати для інших. На відміну від першої.
Судячи з того, що Леонардо зашифровував свої замітки та спостереження в нотатник із певною структурою та сенсом, можна зробити висновок, що він – митець з рідкісним та неймовірно творчим складом розуму.

В основі художнього мистецтва Леонардо да Вінчі покладав знання про світло і тіні.

У своєму нотатнику він писав: «Картина буде добре виглядати тоді, коли розподіл світла і тіней правильні… Якщо художник не використовує тінь, то можна сказати, що він уникає своєї слави; справжні шанувальники мистецтва не оцінять таку роботу».

Саме він винайшов техніку chiaroscuro – зіставлення світла і темряви, в якій використовують контрасти для додання формам обсягу. Цю техніку можна вілслідкувати в усіх його роботах. До речі, витвори майстра притягують та зацікавлюють не тільки його особливим виконанням, але й прихованим сенсом в кожному з них.

Найобговорюванішою стала робота майстра – Джоконда. Кажуть, що саме моделі Мони Лізи великий художник зобов’язаний своєю смертю. Що багатогодинні виснажливі сеанси з нею винищили великого майстра, оскільки сама модель виявилася біовампіром. Про це говорять і понині. Як тільки картина була написана, великого художника не стало.

Над розгадкою таємниці усмішки Мони Лізи дослідники б’ються вже багато років. Чи не щороку знаходиться вчений, який повідомляє: “Таємниця розкрита!” Деякі вважають, що різниця сприйняття виразу обличчя Джоконди залежить від особистих психічних якостей кожного. Комусь воно здається сумним, комусь – задумливим, комусь – лукавим, комусь – навіть злісним. А дехто вважає, що Джоконда зовсім навіть і не посміхається! Інші вчені вважають, що справа в особливостях художньої манери автора. Нібито Леонардо так по-особливому накладав фарби, що особа Мони Лізи постійно змінюється. Багато хто наполягає на тому, що художник зобразив на полотні себе в жіночому вигляді, тому й вийшов такий дивний ефект.

Також є версія, що художник, який нібито був бісексуалом, намалював не себе, а свого учня і помічника Джіана Джакомо Капротті, який знаходився поруч з ним протягом 26-ти років. На користь цієї версії наводять той факт, що Леонардо залишив цю картину йому в спадок, коли помер в 1519 році.

Окремої уваги потребують думки медиків. Стоматолог і за сумісництвом експерт по живопису Джозеф Борковські вважає, що вираз обличчя Мони Лізи типовий для людей, які втратили передні зуби. А японський доктор Накамура виявив ураження куточка лівого ока Джоконди і зробив висновок, що вона схильна до серцевих захворювань і страждає астмою. Ще одну версію – про паралічі лицьового нерва – висунули отоларинголог Азур з Окленда і датський лікар Фін Беккер-Хрістіансен, який запропонував звернути увагу на те, що Джоконда правою стороною посміхається, а лівої кривляється. Крім того, він виявив у Мони Лізи навіть симптоми ідіотизму, мотивуючи їх непропорційністю пальців і відсутністю гнучкості в руці. Зате, на думку британського лікаря Кеннета Кіла, на портреті просто-напросто передано умиротворений стан вагітної жінки.

Створюючи фреску “Таємна вечеря” Леонардо да Вінчі дуже довго шукав ідеальні моделі. Ісус повинен втілювати Добро, а Іуда, який вирішив зрадити його на цій трапезі, – Зло.

Леонардо багато разів переривав роботу, вирушаючи на пошуки натурщиків. Одного разу, слухаючи церковний хор, він побачив в одному з юних півчих досконалий образ Христа і, запросивши його в свою майстерню, зробив з нього кілька начерків та етюдів.

Минуло три роки. “Таємна вечеря” була майже завершена, однак Леонардо так і не знайшов підходящого натурника для Іуди. Кардинал, який відповідав за розпис собору, квапив художника, вимагаючи, щоб фреска була закінчена якомога швидше.

І ось після довгих пошуків художник побачив як в стічній канаві валялася людина – молода, але передчасно одряхліла, брудна, п’яна і обірвана. Часу на етюди вже не було, і Леонардо наказав своїм помічникам доставити його прямо в собор. З великими труднощами його притягли туди і поставили на ноги. Людина толком не розуміла, що відбувається, і де вона знаходиться, а Леонардо запам’ятовував на полотні обличчя людини, яка погрузла у гріхах.

Коли він закінчив роботу, жебрак, який до цього часу вже трохи прийшов до тями, підійшов до полотна і закричав:

  • Я вже бачив цю картину раніше!
  • Коли? – здивувався Леонардо.
  • Три роки тому, ще до того, як я все втратив. В ту пору, коли я співав у хорі, і життя моє було сповнене мрій, якийсь художник написав з мене Христа…

Дама з горностаєм (1489-90). Цей портрет був намальований за кілька років до Мони Лізи. Виконано в техніці chiaroscuro. У ньому видно світловий контраст світла і тіні, що надає фігурі глибину.

Нещодавно науковці виявили, що цій остаточній версії портрету передували дві попередні. Незмінним залишилося лице, зачіска та прикраси пані. Проте змінилася сукня та положення рук. Горностай з’явився не одразу та мав інше хутро.

До речі, про деякі картини майстра сучасні дослідники знають завдяки збереженим копіям і спогадам сучасників да Вінчі. Наприклад, доля оригіналу роботи «Леда і лебідь» до цих пір невідома. Історики вважають, що картина, можливо, була знищена в середині сімнадцятого століття за наказом маркізи де Ментенон, дружини Людовика XIV. До нашого часу дійшли начерки, зроблені рукою Леонардо, і кілька копій полотна, виконаних різними художниками.

Леонардо да Вінчі ніколи не поспішав закінчити твір. Він вважав, що незакінченість – обов’язкова якість життя. Закінчити – означає вбити! Повільність творця була дивовижною, він писав свої полотна роками. Міг зробити два-три мазка і віддалитися на багато днів з міста, наприклад, упорядковувати долини Ломбардії або створювати апарат для ходьби по воді. Майже кожен з його значних творів – “незавершенка”. Багато з них були зіпсовані водою, вогнем, варварським зверненням, але художник ніколи не виправляв ушкоджень, немов давав право життю втручатися в його творчість і щось підправляти.

Якби да Вінчі не намалював жодної картини, то його б запам’ятали як талановитого вченого, винахідника і письменника. Насправді, саме поєднання здібностей в області мистецтва і володіння наукою зробили Леонардо прекрасним художником.

Читати далі →

Норман Паркінсон. Як фотографувати красиво.

Написано Образ Мистецтва

Його роботи знає весь світ. Ці знімки демонструють зародження особливого стилю фотографа, які протягом багатьох років створювали окремий жанр фотографій для обкладинок журналів.

Норман Паркінсон був впевнений, що фотографія – це не мистецтво, а чаклунство. Вона зачаровувала його точно так, як і поява нового візерунка в трубці калейдоскопа, який був його улюбленою дитячою іграшкою.


Норман Паркінсон – один з найважливіших фотографів у світовій історії. Він зробив своєрідну революцію в зйомці моди, коли в 1940-х роках вивів моделей із студійного середовища в набагато енергійнішу вуличну обстановку. Не останню роль у багатьох його фотографіях зіграв гумор. Паркінсон говорив, що ніхто не має права робити нудні фотографії.

Паркінсон почав знімати в 1931 році, працюючи асистентом у фотоательє. Правда, незабаром його звільнили за невиконання своїх прямих обов’язків. Але без рекомендації не залишили, написавши: “Дуже оригінальна молода людина. Можливо, стане фотографом”.

Норман Паркінсон став найбільшим британським фотографом, відомим у всьому світі. Він працював з провідними журналами свого часу: Vogue, Harper’s Bazaar, Bystander, Town and Country, Life. За своє життя майстер зробив портрети багатьох моделей, акторів, музикантів, політиків, членів британської королівської сім’ї та інших знаменитостей.

У Паркінсона розвинулося чудове чуття на нові таланти. Серед відкритих ним зірок – Нена фон Шлебрюгге, американська фотомодель шведського походження, матір Уми Турман. Фотограф зробив її перші тестові знімки, помітивши майбутню суперкрасуню ще в підлітковому віці в Стокгольмі. Незабаром вона переїхала в Лондон і продовжила кар’єру.

У 70-ті роки знімальна група Нормана була першою, допущеною за залізну завісу. Фотограф проїхав по Радянському Союзу більше 7 000 км і зробив ряд знімків моделі і актриси Джері Холл для британського Vogue.

Про Паркінсона говорять, що він вивів англійську фотографію на вулицю. До нього зйомки проходили в студії, а моделі зберігали статичність. Паркінсон же вдихнув життя в модну фотографію.

Він знімав на тлі природи красиво одягнених дівчат, які гримасували і сміялися, дуріли і активно рухалися. Харизматичний і ексцентричний вусань під два метри зросту, Норман Паркінсон, одним своїм виглядом міг розкрити самих скутих моделей.

Паркінсон був новатором у своїй справі, завжди був вірний фотографії до кінця. Він продовжував знімати до 1990 року, коли у Сінгапурі він пішов з життя у віці 77 років.

Читати далі →

Едвард Мунк

Написано Образ Мистецтва

Автор знаменитого “Крику” Едвард Мунк був людиною нервовою: він боявся природи, усе життя його самого і його близьких переслідувала смерть і хвороби, а стосунки з жінками призводили художника до депресії. І, звичайно, усе це не могло не відбиватися в його картинах.

Мунк і його картини

Едвард Мунк. Розлучення. 1894 рік

Норвежський письменник Рольф Стенерсен пише, що свої твори художник сприймав як власних дітей: розсердившись, він їх карав. Одним з видів покарань було так зване кінське лікування (hestekur): Мунк виставляв невдалі, на його думку, полотна на вулицю, де лив дощ, свистів вітер і було холодно. Через це багато робіт – наприклад, “Розлучення” (1894) – погано збереглися і потребують реставрації. За іншою версією, така “обробка” полотен була пов’язана з бажанням художника добитися ефекту вицвілої, мато­вої, потертої поверхні, що нагадувала фреску або пастель. Випадкові потьоки, що з’явилися, наприклад, сліди пташиного посліду, ставали частиною картини – як в “Ножній ванні” (1912-1913). Мунк був невтомним экспе­римента­тором: він сильно розбавляв масляні фарби, додавав туди крейду, використовував яєчну темперу, пробував в якості єднальних речовин казеїн і кістковий клей.

Едвард Мунк. Ножна ванна. 1912-1913 роки

Мунк і природа

Едвард Мунк. Крик. 1893 рік

Мунк сприймав природу як щось драматичне і небезпечне: природні явища викликали у нього найсильніші переживання. На знаменитій картині “Крик” (на берлінській персональній виставці 1893 року картина носила назву “Крик природи“) жахлива істота втілює кричущий захід. Криваво-червоний захід сонця викликав у художника жах і відчай, про яких він пише в знаменитій щоденниковій замітці від 22 січня 1892 року :

“Я гуляв по дорозі з двома товаришами. Сонце сідало. Небо раптом стало криваво-червоним, і я відчув вибух меланхолії, що гризе болі під серцем. Я зупинився і притулився до огорожі, смертельно втомлений. Над синьо-чорним фьордом і містом лежали кров і язики полум’я. Мої друзі продовжували гуляти, а я залишився позаду, трепечучи від страху, і я почув нескінченний крик, що пронизує природу”.

Ніякої благодатності Мунк в природі не бачив і сприймав її як потужну згубну силу. Що стосується людей, то, за словами одного з біографів Мунка, Рольфа Стенерсена, художник вважав їх не хазяїнами природи, але “Хвилями духу і матерії”, здатними дематеріалізуватися, набувши іншої форми. Мунк вірив в примари і цікавився спіритизмом, а тілесна оболонка була для нього умовністю: не випадково навколо фігур на його картинах нерідко можна побачити хвилеподібні лінії, як від каменів на воді.

Мунк і смерть

Едвард Мунк. Смерть в кімнаті хворого. 1893 рік

Сім’ю Мунка переслідували біди: коли йому було п’ять років, від туберкульозу померла його мати, а через десять років він втратив улюблену сестру. Пізніше інша сестра опинилася в клініці для психічнохворих (1894), а його брат помер у віці 30 років (1895). Ці події потрясли Мунка, і у своїх роботах (починаючи з “Хворої дівчинки”, написаної в 1885-1886 роках) художник постійно повертався до тем хвороби і втрат. У його майстерні завжди знаходився той же стілець, що фігурував на цій картині (там видно край сидіння), і, по словам друга Мунка Йенса Тііса, Мунк говорив, що на ньому “ми усі сиділи, хворіли і помирали”, зв’язуючи предмет з травматичними подіями. Крісло з високою спинкою і гнутими ручками, зображене на картині “Смерть в кімнаті хворого” (1893), зустрічається на декількох картинах майстра (найвідоміша з них – автопортрет “Хворою іспанкою” 1919-1920 років). При цьому нещастя були і джерелом натхнення: “Без страху і хвороб моє життя було б човном без керма”.

Едвард Мунк. Смерть в кімнаті хворого. 1893 рік

Оптимістичнішими його картини стали після лікування в психіатричній клініці Даніеля Якобсона в Копенгагені в 1908-1909 роках, проте колишньої напруги і потужності в них вже не було.

Мунк і жінки

Едвард Мунк. Вампір (Любов і біль). 1893 рік

Едвард Мунк користувався успіхом у жінок, але постійно вплутувався у любовні історії. Одна з його муз, Дагні Юль, була справжньою роковою жінкою 1890-х років: творча непередбачувана особа, яка зводила з розуму багатьох. Інша – Тулла Ларсен – вимагала весілля і, як вважав Мунк, переслідувала художника. Під час однієї зі сварок, що сталася в 1902 році, він був поранений з пістолета в ліву руку – один з пальців назавжди залишився покаліченим.

Едвард Мунк. Ревнощі. 1895 рік

Цей невдалий роман був одним з чинників, що призвели до депресії, яка супроводжувалася параноїдальними ідеями і алкоголізмом. Під час восьмимісячного лікування в клініці Якобсона Мунк написав дуже страшну казку про Альфу і Омегу. Омега зраджує Альфі з тваринами, породжуючи від них дітей, а він вбиває її, після чого гине від помсти диких звірів. Такі жінки – часті героїні його картин (“Вампір” з Музею Мунка в Осло, “Ревнощі” з колекції Расмуса Мейера у Бергені, “Попіл” з Національного музею мистецтва, архітектури і дизайну в Осло), гравюр (“Соломія, або Автопортрет з Євою Мудоччі”) і щоденникових записів.

Читати далі →

Хто така Фріда Кало?!

Написано Образ Мистецтва

Історія Фріди Кало – це 2 великих трагедії, 33 операції і 145 картин.

Сьогодні одні купують роботи легендарної художниці за рекордні суми грошей, інші – лають їх за зайву жорстокість. Ми розповімо, хто вона – найвідоміша мексиканська художниця.

Бунтарка

У дитинстві легендарній художниці однолітки дали прізвисько “Фріда – дерев’яна нога” – після перенесеного в 6 років поліомієліту вона назавжди залишилася кульгавою. Але явний фізичний недолік лише загартував характер дівчинки: Фріда займалася боксом, багато плавала, грала у футбол і з легкістю вступила до престижної школи у Мексиці, щоб вивчати медицину.

У Національній підготовчій школі кривонога Фріда була однією з 35-ти дівчат, які здобували освіту нарівні з тисячами юнаків. Але не лише в цьому Фріда була не схожа на типових мексиканських дівчат: вона завжди вважала за краще проводити час в чоловічій компанії (що в ті часи було сміливістю), багато палила і позиціонувала себе як відкриту бісексуальність.

Мучениця

Найстрашніша трагедія в житті Фріди сталася, ледве їй виповнилося 18 років. Дівчина постраждала в жорстокій аварії: автобус, на якому їхала майбутня знаменитість, зіткнувся з трамваєм. Результат – зламана в одинадцяти місцях нога, потрійний перелом тазу, вивих лівого плеча, перелом шийки стегна і потрійний перелом хребта в області попереку. Тридцять дві операції і два роки нерухомості в гіпсовому корсеті, але найстрашніше – Фріда дізналася, що тепер ніколи не зможе мати дітей.

Всього через пару місяців після аварії Фріда написала: “Одне добре: я починаю звикати до страждання”. Знаменита мексиканка до кінця своїх днів не позбавилася від тяжких болів, які намагалася заглушити наркотиками і алкоголем. А незадовго до смерті, яка сталася тільки в 47 років, вона залишила запис: “Я весело чекаю відходу і сподіваюся ніколи не повертатися”.

Художниця

Велику частину картин Фріди складають автопортрети, на яких вона ніколи не посміхається, – і це не випадковість. Прикована до ліжка дівчина умовила свого батька фотографа Гільермо Кало прикрутити до ліжка спеціальний мольберт, щоб малювати лежачи, а до стіни навпроти прибити дзеркало. На довгі місяці світ Фріди стиснувся до однієї кімнати, а головним предметом вивчення стала вона сама.

“Дзеркало! Кат моїх днів, моїх ночей… Воно вивчало моє обличчя, щонайменші рухи, складки простирадла, контури яскравих предметів, які оточували мене. Годинами я відчувала на собі його пильний погляд. Я бачила себе. Фріда зсередини, Фріда зовні, Фріда скрізь, Фріда без кінця… І несподівано, під владою цього всесильного дзеркала, до мене прийшло божевільне бажання малювати”, – згадувала художниця.

Епатажна і упевнена в майже безмежному потенціалі, Фріда дивувала сучасників. Вона ніколи не боялася оголяти свій біль, страждання або жах, а автопортрети майже завжди обрамляла національною символікою.

Дружина

“У моєму житті були дві трагедії, – говорила Фріда. – Перша – трамвай, друга – Дієго”.

У прославленого художника Дієго Рівьєра Фріда закохалася ще в школі, чим серйозно злякала своїх рідних: він був удвічі старший і славився запеклим ловеласом. Проте ніхто не зміг зупинити рішучу дівчину: в 22 роки вона стала дружиною 43-річного мексиканця.

Шлюб Дієго і Фріди жартома називали союзом слона і голубки (знаменитий художник був набагато вищий і товстіший за дружину). Дієго дратували “принцом-жабою”, проте жодна жінка не могла встояти перед його чарівливістю. Фріда знала про численні любовні пригоди чоловіка, але лише одне з них не змогла пробачити. Коли через десять років, так званого подружнього життя, Дієго зрадив Фріді з її молодшою сестрою Кристиною, вона зажадала розлучення.

Всього через рік Дієго знову зробив Фріді пропозицію, і все ще любляча художниця поставила умови: шлюб без інтимної близькості, життя в різних частинах будинку, матеріальна незалежність один від одного. Їх сім’я ніколи не була зразковою, єдине, що могло виправити ситуацію, їм було не дано – Фріда три рази вагітніла і три рази переживала викиднів.

Комуністка

Фріда була комуністкою. Вона вступила в мексиканську компартію ще в 1928 році, а через рік вийшла з неї вслід за виключенням Дієго. Через десять років, все ще залишаючись вірною своїм ідейним переконанням, художниця знову увійшла до її рядів.

У будинку подружжя на книжкових полицях стояли зачитані до дір томи Маркса, Леніна, роботи Сталіна і публіцистика Гросмана про Велику Вітчизняну війну. У Фріди навіть був короткий роман з радянським революційним діячем Левом Троцьким, який знайшов притулок у мексиканських художників. А незадовго до смерті комуністка почала працювати над портретом вождя радянського народу, який так і залишився незавершеним.

“Іноді я задаюся питанням: чи не були мої картини швидше творами літератури, ніж живопис? Це було щось подібне до щоденника, листування, яке я вела усе життя… Моя творчість – найповніша біографія, яку я змогла написати”, – такий запис Фріда залишила у своєму знаменитому щоденнику, який вела останні десять років життя.

Читати далі →

Іван Шишкін

Написано Образ Мистецтва

“Лісовий богатир-художник, цар лісу” – так називали Івана Шишкіна сучасники. Він багато подорожував Росією, оспівуючи величну красу її природи у своїх картинах, які сьогодні відомі кожному.

“Ніколи ще в роду Шишкіних не було художника”!

Іван Шишкін народився в купецькій сім’ї в невеликому місті Елабузі Вятської губернії (на території сучасного Татарстану). Батько художника, Іван Васильович, був дуже шанованою в місті людиною: декілька років підряд обирався міським головою, провів в Елабузі дерев’яний водопровід за власні кошти і навіть створив першу книгу про історію міста.

Будучи людиною різнобічних захоплень, він мріяв дати синові хорошу освіту і в 12 років відправив його до Першої казанської гімназії. Проте молодий Шишкін вже тоді цікавився мистецтвом більше, ніж точними науками. У гімназії йому було нудно і, не закінчивши навчання, він повернувся в рідну домівку зі словами, що чиновником бути не хоче. Тоді ж почали формуватися його погляди на мистецтво і покликання художника, які він зберіг упродовж усього життя.

“Зображення всього, що має життя, є найважчим у мистецтві”

У 1852 році Шишкін вступив до Московського училища живопису, де навчався під керівництвом художника-портретиста Аполона Мокрицького. Тоді у своїх ще слабких роботах він мріяв наблизитися до природи настільки, наскільки можливо, і постійно замальовував цікаві йому види і деталі пейзажу. Про його малюнки поступово дізналася уся школа. Однокурсники і навіть учителі відмічали, що Шишкін малює такі види, які ще ніхто до нього не малював: просто поле, ліс, річка, – а у нього вони виходять так красиво, як і швейцарські види. До кінця навчання стало зрозуміло: у художника був безперечний – і дійсно єдиний у своєму роді – талант.

Иван Шишкин. Галерея 2

Иван Шишкин. Галерея 2

Иван Шишкин. Галерея 2

У 1860 році Шишкін закінчив художню академію у Санкт-Петербурзі з великою золотою медаллю, отриманою ним також за види Валаама, і відправився за кордон. Він відвідав Мюнхен, Цюріх і Женеву, багато писав пером, уперше спробував гравіювати “царською горілкою”. У 1864 році художник переїхав в Дюссельдорф, де приступив до роботи над “Видом в околицях Дюссельдорфа”. Цей пейзаж, наповнений повітрям і світлом, приніс Івану Івановичу звання академіка.

“Геній мистецтва вимагає, щоб йому було присвячено усе життя художника”

У 1870-х роках Шишкін став одним із засновників Товариства пересувних художніх виставок. Талант Шишкіна у котрий раз відмітила і Академія, звівши його до звання професора за картину «Лісова глушина». «Він [Шишкін] все-таки незмірно вище за усіх, узятих разом, досі… Шишкін – верстовий стовп в розвитку російського пейзажу, це людина – школа, але жива школа”, – писав Іван Крамський.

Проте, друга половина цього десятиліття стала важким часом в житті Шишкіна. У 1874 році померла його дружина, після чого він замкнувся у собі. Його характер і працездатність стали псуватися через часті запої. Через постійні сварки багато близьких і друзі перестали спілкуватися з ним. Врятувала його, мабуть, звичка до праці: через свою самолюбність Шишкін не міг дозволити собі упустити те місце, яке він вже міцно займав в художніх кругах, і продовжував писати картини, які ставали все популярнішими завдяки пересувним виставкам. Саме у цей період були створені “Перший сніг”, “Дорога в сосновому лісі”, “Сосновий бір”, “Жито” і інші відомі картини майстра.

Иван Шишкин. Галерея 1

Иван Шишкин. Галерея 1

Иван Шишкин. Галерея 1

А в 1880-х Шишкін одружився на красуні Ользі Лагоді, своїй учениці. Друга дружина його теж померла, буквально через рік після весілля – і художник знову пішов з головою в роботу, яка дозволяла йому забутися. Його притягала мінливість станів природи, він прагнув упіймати і зафіксувати вислизаючу натуру. Він експериментував з поєднаннями різних кистей і мазків, відточував побудову форм, передачу найніжніших колірних відтінків. Ця кропітка робота особливо помітна в картинах кінця 1880-х, наприклад, в пейзажах “Сосни, освітлені сонцем”, “Дуби. Вечір”, “Ранок в сосновому лісі” і “Біля берегів Фінської затоки”. Сучасників картини Шишкіна вражали тим, як легко і вільно він експериментував, домагаючись при цьому приголомшливої реалістичності.

“Що мене тепер найбільше цікавить? Життя і його прояви, тепер, як завжди”

У кінці XIX століття настав важкий для Товариства пересувних художніх виставок період – у художників виникало все більше розбіжностей. Шишкін уважно відносився до молодих авторів, тому що намагався у свою творчість вносити щось нове і розумів, що припинення розвитку означає занепад навіть для іменитого майстра. «У художній діяльності, у вивченні натури, ніколи не можна поставити крапку, не можна сказати, що вивчив це цілком, ґрунтовно, і що більше вчитися не потрібно; вивчене добре тільки до певного часу, а після – враження бліднуть, і, не справляючись постійно з натурою, художник сам не помітить, як піде від правди”, – писав Іван Шишкін.

Иван Шишкин. Галерея 3

Иван Шишкин. Галерея 3

Иван Шишкин. Галерея 3

У 1894 році Іван Іванович почав викладати у Вищому художньому училищі. Учні безмірно поважали Шишкіна, попри те, що він сповідував інші естетичні принципи, дотримувався іншої художньої системи. Молодь надихалася його майстерністю, а сам він в той період “першим і кращим” художником називав Валентина Серова.

У березні 1898 року Шишкіна не стало. Він помер за мольбертом, під час роботи над новою картиною. Художника поховали на Смоленському православному кладовищі в Санкт-Петербурзі, але в 1950 році його прах перенесли разом з пам’ятником на Тихвинське кладовище Александро-Невської Лаври.

Читати далі →

Аньоло Бронзіно. Маньєризм

Написано Образ Мистецтва

Бронзіно відомий як один з найяскравіших художників- маньєристів. В цілому, для цього напряму характерне протиріччя тілесного і духовного початків, природи і людини. Специфіка художнього оздоблення виражається в напруженості поз персонажів, спіритуалізмі, перевантаженості композиції, ламаних лініях, подовжених або деформованих фігурах, незвичайному освітленні і перспективі.

Маньєризм – західноєвропейський літературно-художній стиль XVI – першої третини XVII століття. Деякі дослідники не схильні вважати маньєризм самостійним стилем і вбачають в нім ранню фазу бароко.

Становлення творчого шляху Аньоло Бронзіно як художника пов’язано з іменами Раффаелліно дель Гарбо і Джакопо Понтормо – його учителями. Бронзіно і його наставник Понтормо часто працювали разом. Вони, наприклад, займалися розписом монастиря – ордени картезіанців в Галуццо, вілли Медічі в Кареджі і Кастелло. Крім того, наслідком спільної творчості можна вважати створення Бронзіно декількох картин на релігійно-міфологічні сюжети, які були написані у дусі маньєризму. Його картини на ці теми відрізняють складну композиційну побудову, еротизм образів, дещо штучні пози.

Проте, популярність Бронзіно принесли саме його портрети. Особливою заслугою живописця можна вважати створення парадно-аристократичного портрета, з його відчуженістю, замкнутістю образу і одночасно граціозною статичністю композиційного рішення. Також для такого типу портретів характерні холодний колорит, в них помітна скрупульозна робота над зображенням деталей.

Початок успіху Аньоло Бронзіно як портретиста зв’язують із створенням в 1532-му році картини, на якій зображений герцог Урбинский Гвідобальдо II Делла Ровере.


Важливим періодом в творчості живописця став час, коли він працював художником при дворі династії Медічі у Флоренції, куди він переїхав з Урбіно. Тут він опинився в колі інтелектуальної еліти, яку очолив герцог Козімо I Медічі. Працюючи при дворі, він, наприклад, займався оформленням святкових і театральних декорацій (один з прикладів урочистих випадків, для яких Бронзіно створював прикраси, – парадний в’їзд Елеонори Толедської у Флоренцію у зв’язку з одруженням з Козімо I).


Картини Бронзіно відрізняються ретельністю виконання і аристократичною стриманістю образів. Члени сімейства Медічі часто ставали персонажами портретів, створених Бронзіно. Ці полотна художник створював ретельно, приділяючи увагу образам, що відбивають стриманість і аристократичне благородство.



Елеонора Толедська з сином (на цій картині герцогиня зафіксована в улюбленій сукні, в якій вона була і похована). Картина створена близько 1545 року.

Не лише портретний живопис захоплював Бронзіно. Він також писав фрески, вівтарні картини, релігійні, алегоричні картини і картини на міфологічні теми, а ще вівтарні образи для церков.


Одна з найбільш відомих робіт – “Алегорія з Венерою і Амуром” (інші варіанти назви – “Тріумф Венери” і “Венера, Купідон, Безрозсудність і Час”), близько 1545 року.

Образи на цій роботі досить неоднозначні. Основними мотивами можна вважати хтивість, заздрість, брехню. Дві центральні фігури сцени – Венера і її син Амур. Бородатий старець у верхньому кутку вважається (зважаючи на наявність на картині пісочного годинника, зображеного за ним) Хроносом. Переконливий жест можна інтерпретувати як перешкоду для фігури із схожою на маску особою, розміщеної в лівому верхньому кутку (Забуття), яка намагається врятувати Венеру і Амура від кровозмішення. Стара жінка за спиною Амура, ймовірно, представлена як метафора Ревнощів, хоча її також вважають символом наслідків необдуманого статевого зв’язку. Істота за Путто (він зображений праворуч від Венери), з тілом химери і жіночим обличчям, часто трактується як Задоволення і Обман (фігура простягає Венері стільники).

Мабуть, свідоцтвом того, що Аньоло Бронзіно був видатною особистістю, яка залишила велику творчу спадщину, можуть служити слова Еітафії на його могилі, які свідчать наступне: “Не помирає той, хто живе, як жив Бронзіно”.

Читати далі →

Francisco de Zurbaran

Написано Образ Мистецтва

Художні ідеали Іспанії 17 століття по-іншому втілилися в творчості Франсіско де Сурбарана (1598-1664), що зіграв важливу роль в розвитку іспанського реалізму. Він народився в сільській місцевості та отримав художню освіту в Севільї. Сурбаран писав сцени з чернечого життя, мучеників, святих, але у рамках релігійних сюжетів переконливо розповідав про сучасне життя Іспанії, передавав буденні сцени в строгих розмірених ритмах і композиціях, в монументальних формах.

Христос де ла Крус, 1628–1630

Персонажі Сурбарана наділені душевним благородством, здатністю до сильних почуттів. Вони наповнені благочестям, але їх релігійність не несамовита, як у Ель Греко, глибокий драматизм прихований за зовнішньою стриманістю. Дійові особи, зазвичай, написані з натури і часто відрізняються портретністю. Вихідець з селян, Сурбаран зберіг прихильність до землі, до речей. Їх зображення він включав у фігурні композиції, які не отримували у нього жанрового забарвлення, тому що художник бачив у буденному значне і знаходив піднесене в суворій простоті, порядку, ясності.

Потужне відчуття реального життя, лаконізм художньої мови і пластична сила живопису створюють в роботах Сурбарана враження урочистої серйозності. Художник гостро відчував красу суворого малюнка, простих чітких монументальних об’ємів, побудованих великими площинами за допомогою контрастів світлотіні. Провідну роль в його творах грають колірні плями, їх засобами він передає об’єм і рух. Щільно покладені фарби глибокі, звучні, насичені, багаті півтонами і сміливими контрастами, мазок широкий і спокійний. Сурбаран любив блакитні, рожево-червоні, зелені, помаранчеві, лілові, градації сіро-чорних, сіро-коричневих тонів.

Бачення Алонсо Родрігеса, 1630

У 1629 році Сурбаран закінчив цикл картин з життя святого Бонавентури, обравши місцем дії сучасний йому монастир, вірно передавши монотонний патріархальний життєвий устрій, статечність ченців. Найзначніша картина циклу – “Відвідування святого Бонавентури Хомою Аквінським”. Сувора обстановка келії ученого-ченця – дерев’яні меблі, полиці, масивні томи книг написані з граничною переконливістю, завдяки суворій розстановці вони народжують почуття розміреного ритму повсякденного життя. Червоно-фіолетові і сині кольори, гармонійно об’єднані з сріблясто-коричневими, підкреслюють настрій умиротвореного спокою і важливості того, що відбувається. Світло, що падає з відкритих дверей, фіксує погляд глядача на головних діючих лицях – що жив в 12-му столітті Бонавентуре, молодому мешканцеві-іспанцеві з відкритою натхненною особою, і вкрадливому Хомі Аквінському з розумними очима. Художник писав їх з сучасних йому ченців, і тому образи святих, як і зосереджені особи ченців, що оточують їх, портретні. Модельовані контрастною світлотінню великі об’єми фігур розміщені у вузькому просторі паралельно площини картини, посилюючи враження пластичної насиченості.

Свята Касильда, 1640-1645

Сурбаран писав портрети теологів, письменників, одягнених в одяг з важких тканин, на тлі пейзажу або архітектури, освітлюючи їх потоками верхнього світла. Люди, зображені на портретах, зазвичай, представлені в повний зріст, в спокійних позах, ніби щось розповідають про свої діяння. Пристрасні ліричні переживання контрастують в їх особах із стриманими, але виразними жестами. Багато образів позбавлені релігійності. Героїчна “Свята Касильда”, за легендою, дочка мавританського правителя в Толедо, по суті, виконана в строгій грації, горда знатна пані. Вона зображена в нарядній сукні з дорогих тканин, з кошиком квітів в руках.

Непорочне зачаття, Близько 1630

Владна смуглява особа з рішучим суворим поглядом примушує згадати про її подвиг – таємну допомогу полоненим християнам. Згідно з легендою, диво рятує її від кари батька, прибічника ісламу, – хліб несподівано перетворюється на розкішні квіти. Образ Касильди типовий для Іспанії 15-х віків: незважаючи на домостроївский устрій, росла самосвідомість жінки, з’являлися серед жінок учені, політики, конкістадори. Народжувалися образи, овіяні романтикою. Звучні, сильні темно-зелені, палеві і лілові тони одягу, блиск шовку, перлів, легкість фону бездоганно передані художником-колористом.

Благовійне відношення Сурбарана до предметів щоденності відчувається в його натюрмортах, повних суворого лаконізму і речової потужності “Натюрморт з чотирма посудинами”, “Натюрморт з апельсинами і лимонами”.

Натюрморт з лимонами, апельсинами і трояндою, 1633

У Іспанії вже на початку 17-го століття поширився звичай писати фрукти, квіти і предмети кухонного ужитку. Найбільш характерне з того, що було створено в цьому жанрі, належить Сурбарану. Наділені пластичною досконалістю, плоди і предмети живуть в його натюрмортах поза атмосферою повсякденного побуту.

Агнець божий, 1640

Суворий порядок, при якому жоден предмет не закриває інший, монументальна архітектурно-ритмічна композиція, сила вишуканого колориту народжують почуття спокою і урочистої значимості їх буття. Кожен предмет гостро охарактеризований, підкреслені світлом міцні форми мають ваговитість. В той же час, в предметах виявлене те, що зближує їх один з одним, – співвідношення форм, фактури, фарб, ліній, що утворюють струнке, наповнене єднання.

У кінці життя Сурбарана характер його мистецтва змінився. У образах з’явилися м’якість, теплота, ніжність; у “Отроцтві Марії” зафіксована скромна дівчинка, умілець – втілення лагідності і душевної чистоти. В той же час, у багатьох творах Сурбарана помітне вираження втоми, форми позбавлені пластичності. Посилилися містичні тенденції і ідеалізація.

Святий Франциск Ассізький, 1645

Картина Франсиско де Сурбарана «Святий Франциск Ассізький». Образ Святого Франциска, що стоїть у своїй могилі, сходить до апокрифічного тексту XIII століття. Відвідувачі крипти в церкві в Ассізі бачили, як Святий Франциск через довгий час після своєї смерті піднявся в могилі. Сурбаран створив ще виразніший образ святого, завдяки сильному світлу, що падає ліворуч і що вихоплює його темну рясу і екстатичну особу, залишаючи праву частину в глибокій тіні. Цей ефект освітлення натхненний караваджівським кьяроскуро, але на відміну від типових для італійця Караваджо полум’яніючих композицій, Сурбаран наділив свою картину суворою релігійністю, характернішою для живопису іспанського бароко того часу. Проте, Сурбаран не зміг пристосуватися до змін мальовничої моди, яку диктував Бартоломео Мурільо.

Читати далі →

Петров-Водкін Кузьма Сергійович

Написано Образ Мистецтва

Цей дуже талановитий художник, в основному, знайомий нам по знаменитій картині “Купання червоного коня”, написаній в 1912-му році. Традиційно картина сприймалася як передвісник революції в Росії, хоча сам майстер трактував її як підсвідоме відчуття прийдешньої війни (Першої світової). На ділі ж, художник був різноманітно обдарованою людиною і займався не лише живописом, але і керамікою, розписами і створенням декорацій для різних театральних постанов.

Він народився в простій сім’ї наслідуваних шевців в місті Хвалинське в тодішній Саратовській губернії, в 1878 році. Його батько прославився тим, що був єдиним на все місто шевцем, що не торкався до спиртного. Причиною тому була страшна трагедія дитинства, що дала синові прізвище “Водкін” і найсильніша відраза до алкоголю. Його батько, в п’яному стані зарізав свою дружину і незабаром помер сам в страшній агонії. Оскільки батька звали Петром, то його діти отримали прізвище Петрови, а попутно і прізвисько – Водкіни.

Коли Сергій Водкін одружився на Ганні Петровій, якось природно виникло подвійне прізвище, яке стало передаватися у спадок.

Юний Кузьма не збирався ставати художником, він вчився в початковому училищі і планував стати залізничником. Проте, як це іноді буває, доля розпорядилася по-своєму. Знайомство з іконописом уразило юнака, і він став пробувати свої сили в мистецтві. Кузьма почав вчитися в Самарі у Федіра Бурова, але навчання перервала смерть учителя.

Доля ще раз втрутилася в життя майстра, коли його роботи потрапили на очі відомому архітекторові Роберту-Фрідріху Мельтцеру. Він забрав молоду людину в Санкт-Петербург, де допоміг йому з навчанням в Центральному училищі технічного малювання барона Штігліца, що згодом стало відоме нам як Мухинське училище.

Перша робота Петрова-Водкіна, як зрілого самостійного художника, чудово збереглася до наших днів. Це ікона в техніці майоліка на стіні церкви в Александрівському парку. Вона вражає одночасно і канонічністю образу, і новаторським виконанням.

У 1897 році художник перебирається в Москву, де до 1905 року вчиться в Училищі живопису, творення і архітектури в класі Валентина Сєрова. Наступні три роки він подорожує і вчиться в різних європейських країнах. В цей час на його живопис мають сильний вплив модернізм і символізм. Проте, згодом у нього з’являється власна оригінальна манера, яку можна вважати сплавом реалізму і відразу декількох сучасних течій в живописі.

У 1911 році художник стає членом об’єднання “Світ мистецтва”, через 8 років – одним із співзасновників “Вольфіла” – “Вільної філософської асоціації”, що проіснувала до 1924 року.

У радянський період роботи майстра були затребувані. Він писав мальовничі полотна, працював над графікою і створював декорації, викладав, писав статті з мистецтва та з задоволенням віддався літературній діяльності.

У 1932 році він став першим Головою відділення Союзу радянських художників в Ленінграді. Помер майстер в 1939 році, залишивши після себе величезну матеріальну і духовну спадщину.

Читати далі →

Каналетто Джованні Антоніо

Написано Образ Мистецтва

1697-1768

Італійський живописець епохи класицизму. Справжнє прізвище Джоні Антоніо Каналь. Народився він 28 жовтня 1697 року у Венеції. Вчився у свого батька, театрального художника Бернардо Каналя. За свої роки він встиг попрацювати у Венеції, в Римі (1720) і Лондоні (1745-1755). Майстер архітектурного пейзажа-ведута, Каналетто, в основному, писав панорамні види міст, наповнюючи їх барвистими зображеннями міського життя.

Темза і будинки передмістя Річмонда, 1747р. Приватна колекція.


Вестмінстерське абатство і процесія лицарів, 1749р.


Великий канал і Собор Санта Марія делла Салюті, 1730р, Музей міста Х’юстон, США


Ведути Каналетто цінувалися на рівні з роботами визнаного майстра цього жанру Карлеваріса. Але живописець, на відміну від Карлеваріса, мав свій секрет та чарівним чином наповнював свої роботи строкатим живим життям і гармонічним світлом.

Документальна точність малюнка і точна перспектива побудови поєднуються в творах художника з свіжістю колірної гамми та світловими ефектами композиційного рішення.

Площа в Пирне, 1754р.


Набережна Сан-Марко, близько 1740р.


Площа Сан-Марко, 1730р.


У 1746-му році художник відправився в Лондон. Впродовж тривалого часу Каналетто був найуспішнішим живописцем панорам Лондона та околиць столиці. З часом, техніка живописця за роки рутинної роботи стає досить манірною. Та в 1755-му році художник повертається у Венецію, де і працює до кінця своїх днів.

У 1763-му році Джованні Антоніо Каналетто обрали членом створеної венеціанської Академії, хоча необхідну для показу при вступі в неї нову роботу художник написав тільки через два роки. Нею стало знамените “Капріччо з колонадою”.

Міст Вестмінстер, 1746р.


Міст Ріальто з південного боку


Повернення Буччинторо у свято Вознесіння, 1732р.


Пьяццетта, 1735р. Галерея античного мистецтва, Рим, Італія.


Остання робота Каналетто, що дійшла до нас, – малюнок пером і тушшю. Незважаючи на роки, погляд художника залишається як і раніше гострозорим, а рука – міцною.

Легенди про те, що Каналетто, завдяки впливовим покровителям і численним замовленням накопичив незліченний стан, були спростовані після його смерті. Кредитор Каналетто Джозеф Сміт, він же британський консул у Венеції, продав основну частину його картин англійському королю Георгу III. Таким чином, в королівських колекціях опинилася значна частина кращих картин і малюнків Каналетто.

Читати далі →

Рой Ліхтенштейн і поп-арт

Написано Образ Мистецтва

Американський художник, одна з найвпливовіших фігур стилю поп-арт.

Його роботи, стилізовані під комікси, безпомилково впізнавані. Майстрам поп-арту властиво зображувати відомий, розмножений образ масової культури в іншому контексті, щоб він придбавав інший сенс.

Рой Ліхтенштейн народився в Нью-Йорку в 1923 році. Вчився в звичайній середній школі, потім вступив до престижної школи “Франкліна” на Манхеттені, де отримав середню освіту. Заняття з мистецтва не входили в учбову програму школи, але у вільний час він читав книги і відвідував заходи з мистецтва і дизайну.

Хобі переросло в щось більше, і Рой вирішив вступати до третього за величиною університету в штаті Огайо, де був факультет мистецтв. Під час другої світової війни і після Рой служив в армії і вимушений був перервати своє навчання. Після закінчення служби він закінчив університет і залишився в ньому викладати. У 1949 році отримав ступінь магістра витончених мистецтв, а в 1951 році відбулася його перша персональна виставка в галереї “Carlebach”. У цей період Ліхтенштейн шукає свій стиль і експериментує у різних напрямах: кубізм, сюрреалізм, абстрактний експресіонізм. На початку 1960-х років, Ліхтенштейн вирішує спробувати дещо нове. У цьому йому допомогла політика споживання, яка на той момент формувалася в Америці. Яскраві картинки заклично кричали: “Купи мене”!, “Дивися! Я кращий”!

У 1961 році, працюючи над новими ідеями, Рой проводив час з сином Девідом, який перегортав комікс. Він підійшов до батька і сказав: “Тато, намалюй мені що-небудь таке ж красиве і круте як комікс”. Результатом цього прохання стала перша робота в стилі комікса “Дивися, Міккі”!, абсолютно несхожа на роботи популярного тоді художника абстрактного експресіонізму Джейсона Поллока. Ця робота стала проривом для Роя Ліхтенштейна, закріпивши за ним славу піонера американського поп-арту.

Рой Ліхтенштейн зібрав воєдино усе кліше того часу і створив свій індивідуальний стиль. Художник хотів добитися не класичної, живої форми створення твору, а штучної. Його роботи мали бути схожі на друк, а не малюнок. Звідси їх головна особливість – художник використав декілька основних кольорів друкарень (червоний, синій, жовтий), чорну лінію і крапки, за допомогою яких створював глибину і об’єм зображення. Готовий твір виглядав як збільшена сторінка комікса, яку перенесли на полотно. Ліхтенштейн говорив: “Ці картини повинні виглядати, як фальшивка, і, думаю, мені це вдається. Мені здається, я не просто перемальовую комікси, а привношу щось нове і, в результаті, створюю витвір мистецтва”.

Зображення блондинок, що чекають дзвінка, брюнеток, пар, що цілуються, стали дуже популярними і виставлялися в галереях. Одного разу виставку відвідав Енді Уорхол і був вражений тим, що вони з Роєм роблять дуже схожі речі. Їх подальший творчий шлях в якомусь сенсі вирішила наперед зустріч з колекціонером Лео Кастеллі. Він віддав перевагу роботам Ліхтенштейна, а Уорхолу порадив залишити героїв коміксів Рою, і перейти до предметів споживання. Що Уорхол і зробив.
У 1966 році галерея Tate придбала і виставила картину «Whaam!»

Цим галерея викликала бурхливе нерозуміння публіки. Робота Ліхтенштейна не ставила серйозної філософської проблеми, над якою можна було б замислитися, в чому, на думку більшості, полягав сенс мистецтва. Але, незважаючи на нерозуміння, виставка мала колосальний успіх.
Так, з невідомого випускника факультету мистецтв Рой Ліхтенштейн став піонером поп-арту і одним з самих упізнаваних художників XX століття. З часом він почав замислюватися про те, що ще він може створити за допомогою своєї техніки. Так з’явилися його оммажи (робота наслідування і жест поваги до автора) великим художникам – Матіссу, Мондріану, Пікассо, Моне.

Ці роботи, як і комікси, сприйняли недоброзичливо, звинувативши Ліхтенштейна в плагіаті та спробі прославитися, і нажитися на копіюванні чужих шедеврів. Сам Рой говорив: “Пікассо дійсно завжди робив на мене величезний вплив, і коли я почав малювати свої картини-комікси, то вирішив, що нарешті йду від нього. І навіть мої роботи в стилі поп-арт, що посилають до Пікассо – це спроба позбавитися від його впливу”. Про “Спальню в Арле” він вважав за краще відбуватися жартами: «Я тут прибрався у нього. Думаю, він зрадіє, коли повернеться з лікарні і виявить, що я розвісив його сорочки і навіть купив нові меблі».

В результаті, Рой Ліхтенштейн, якого всі звинувачували в плагіаті, став одним з найвпливовіших художників другої половини ХХ століття. В сьогоднішній рекламі і дизайні відчуваються його ідеї – від повсюдної чорної лінії. Сучасне мистецтво і багато художників знаходяться в діалозі з Ліхтенштейном, а деякі навіть вважають себе його послідовниками.

Кращою відповіддю критикам і недоброзичливцям став автопортрет художника, на якому зображена футболка і дзеркало замість голови. Це відмінна метафора і підтвердження того, що поп-арт – дзеркало “одноразового” суспільства.

Читати далі →

Жан Антуан Ватто

Написано Образ Мистецтва

Жан Антуан Ватто – видатний французький живописець початку XVIII століття, родоначальник нового жанру “галантних свят” (fetes galantes), що став прологом для появи в європейському мистецтві стилю рококо.

Він став першим художником свого часу, яке називають “галантне століття”. Легковажні пані і їх неуважно-чемні кавалери, меланхолічні музиканти, вуличні торговці і актори – ось герої Ватто, яких він зображує зі всілякою грацією і витонченим психологізмом, але без тіні грубуватого викривання, властивого жанровому живопису. Картини Ватто не стільки розповідні, скільки атмосферні – настрій в них важливіший за сюжет, підтекст важливіший за інтригу, емоція важливіша за дію.

Малюнки Ватто завжди легкі, динамічі, а його лінії – примхливі і мелодійні. Ватто першим позначив рокайльну колірну гамму: уникаючи контрастних поєднань і локальних кольорів, він віддавав перевагу багатим, складним і витончено-вишуканим співзвуччям відтінків, робив багатошарові лесування, створював особливу мерехтливу фактуру.

Жан Антуан Ватто народився в містечку Валансьєн, яке на той час славилося виробництвом мережива.

Улюбленим заняттям підлітка Ватто було сидіти на міській площі з олівцем і малювати бродячих акторів, що веселили натовп. У Валансьєні був муніципалітет, при якому числився штатний художник, Жак Герен. До нього батько Ватто віддав сина вчитися. Толку з цього не вийшло: підмайстрові довіряли хіба що розводити фарби, а незабаром Герена не стало. Ватто задумав знайти для себе іншого вчителя. Але тут вже чинив опір батько: скільки можна дозвільно стирчати на площі та витріщатися на комедіантів? Чи не пора освоїти справжню чоловічу професію? Покрівельника, приміром.

Але Жан Філіп не знав, що його син не менш самовільний і упертий, ніж він сам. Одного разу, нікого не попередивши, Антуан відправився в Париж. Він йшов туди пішки, а в його кишенях насвистував вітер. Схоже, Ватто чекало життя вуличного пройдисвіта. І дійсно, у свій перший столичний рік майбутній родоначальник “королівського стилюрококо майже увесь час провів просто неба, а від негоди ховався під зведеннями Нотр-Дам де Парі.

Якимсь дивом заготовки 20-річного Ватто потрапили в руки знаменитого французького декоратора Клода Жилло. Вони не були схожі на мазанину ремісників з мосту Нотр-Дам, і Жилло негайно запропонував Ватто місце свого асистента. Антуан, не роздумуючи, погодився: розписувати театральні декорації і прикрашати міські карнавали було йому близьким. Досвідчений і успішний Жилло вивів його в люди, забезпечив замовниками і знайомствами. Але настав день, коли учитель і учень посварилися назавжди. Причина розриву досі невідома. Усе подальше життя обоє намагалися в розмовах навіть не згадувати імен один одного.

Та все ж, Ватто неймовірно щастило з друзями. Після Жилло його покровителем став спадковий живописець і хранитель колекції Люксембурзького палацу Клод Одран. Він залучав Ватто до оформлення королівських резиденцій у Версалі і у Фонтенбло. А в Люксембурзькому палаці художник познайомився з рідкісною серією Рубенса, присвяченої Марії Медічі. Ватто і раніше любив фламандців, але Рубенс його потряс і мотивував. Коли ще один його друг, Абат Нуартер, підніс художникові в дарунок оригінал Рубенса, Ватто відчув майже релігійний екстаз.

Коли після тридцяти Ватто стане дуже багатий, він більше не подумуватиме про Рим. Усупереч здоровому глузду і очікуванням друзів, розбагатівши, він поїхав не в Італію, а в Англію. Саме у богемному Лондоні Ватто повною мірою відчув смак визнання. Проте, суспільство виявилося до нього прихильнішим, ніж природа. Вологий британський клімат загострив туберкульоз. Хвороба прогресувала. Вже будучи смертельно хворим, Ватто повернувся в Париж.

Між нападами вимотуючого туберкульозного кашлю друзі благали вмираючого причаститися. Сільський священик підніс до його губ розп’яття. «Приберіть! – істерично закричав Антуан Ватто. – Ваше розп’яття заподіює мені біль! Як можна так плоско і грубо зображувати Господа!»

Нервовий, незлагідний, часом веселий, але все-таки дивний – таким Париж запам’ятав Антуана Ватто. Дивно, що цей навіжений мізантроп мав так багато впливових друзів, а його картини носили підкреслено легкий і дозвільно-витончений характер. Щоб визначити їх небачений досі жанр, довелося навіть винайти спеціальну назву – “галантні свята“. Але оцінити повною мірою новаторство Антуана Ватто як художника зможуть тільки нащадки. Його генієм буквально маритимуть романтики і символісти.

Зараз творчість Антуана Ватто визнана однією з вершин мистецтва XVIII століття.

Читати далі →

Дикий Захід Ремінгтона

Написано Образ Мистецтва

Фредерік Ремінгтон – американський художник, ілюстратор і скульптор, відомий своїми творами на тему “Дикого Заходу”.
Тривалий час вважався одним з кращих ілюстраторів до творів про Дикий Захід. Дуже часто його ілюстрації прикрашали західні журнали. Але не дивлячись на те що, Ремінгтон був шикарним ілюстратором і реалізувався в цьому напрямі, він все ж намагався якомога більше приділяти уваги станковому живопису і скульптурі. Так само в картинах Ремінгтона відбитий лірично-сумний початок свого віку, оскільки художник жив на переломі століть і усвідомлював, що та романтичність життя Заходу, яку він показує у своїх роботах, безповоротно закінчується.

У дитинстві Фредерік захоплювався полюванням і їздою на конях, при цьому досить рано почав малювати. Вчився художник в школі мистецтв Йельского університету, але в той час його значно більше цікавили футбол і бокс. Після смерті батька він повернувся додому і деякий час працював в церкві, а згодом він відправився на захід і став підприємцем в Канзас-Сіті у 1884 р.

Дуже багато Ремінгтон працював в техніці “гризайлі“. Ця техніка піддавалася його талановитим рукам, і дозволяла глядачам насолоджуватися і дізнаватися ще і ще про життя американців того часу.

З часом видавництва, що публікують книги і журнали на тему “Дикого Заходу” замовляли у нього ілюстрації, замальовки та інші роботи. Багато його ранніх робіт були опубліковані в журналах Collier’s Weekly і Harper’s Magazine.

Картини Ремінгтона не позбавлені романтичності, але, не дивлячись на це, вони дозволяють глядачеві бачити реальне життя американського народу. Проте художник не просто показує реальність, як фотограф. Його картини ставлять і філософські питання, їх так само закутує деяка таємниця і загадковість. Художник передає це нам деякою недосказаністю в зображенні. Художник дозволяє останнє слово залишити глядачеві, прийняти участь і додумати самостійно сюжет картини.

Читати далі →

Майстер історичного живопису

Написано Образ Мистецтва

Серед знаменитих художників XVI століття, що творили у Венеції, Тінторетто був самим венеціанським. За 75 років життя він покидав рідне місто лише одного разу. Багато його картин досі знаходяться в церквах і релігійних братерствах, для яких вони були створені.

Якопо Робусті (1518 – 1594) отримав прізвисько Тінторетто. У сім’ї була 21 дитина, і майбутній живописець був найстаршим. Його дочка Маріетта, сини Марко і Доменіко також стали художниками. Останній успадкував велику сімейну майстерню і створював добротні, але позбавлені натхнення картини у батьківській манері. Деякі з них іноді помилково приймають за роботи старшого Тінторетто.

Ранній період Тінторетто особливо важкий для досліджень експертів живопису. За відомостями одного з біографів, художник десять днів провів в майстерні у Тіціана, але був вигнаний, оскільки майстер побачив загрозу в не по роках розвиненому таланті хлопчика. Втім, записи про навчання Тінторетто – у Тіціана або будь-якого іншого живописця – не збереглися. “Насправді немає жодної надійно задокументованої картини молодого Тінторетто”.

“Звернення святого Павла”
Якопо Тінторетто

Сама рання робота Тінторетто, датована з визначеністю, – це “Змагання Аполлона і Марсія” (1545) з колекції музею в штаті Конектикут. Вона була написана для Петро Аретіно, який в публічній рекомендації відмітив швидкість її виконання і геніальність художника.

“Змагання Аполона і Марсія”
Якопо Тінторетто

За словами британського арт-критика Джонатана Джонса, мистецтво Тінторетто – це відмова від чуттєвої повноти Тіціана. “Його творчість насправді порушує правила Ренесансу і є запаморочливою сумішшю благочестя і стилістичної непокори”, – пише мистецтвознавець. Швидкі і вільні мазки Тінторетто розглядалися як “радикальні і навіть ганебні”, додає Роберт Ехолс.

Піком кар’єри Тінторетто вважаються його картини для релігійного братства Сан-Рокко, які він виконував з перервами між 1564-м і 1587 роками. Стіни і стелі будівлі майже повністю покриті творами, які іноді порівнюють з фресками Сикстинської капели. На них зображені сцени із Старого і Нового Заповітів і життя святих. Особлива увага приділяється святому Роху, покровителеві братерства, яке допомагало хворим.

“Диспут Ісуса в храмі”
Якопо Тінторетто

Кульмінацією є величезне “Розп’яття” (1565) в Залі Альберго. Тінторетто зображував той момент, коли губку занурюють в оцет, щоб змочити їм рани Христа. Навколо хреста розташовані солдати, послідовники Ісуса, роззяви, язичники і сучасники художника, які дивляться на сцену, ніби вона розгортається у них на очах. Ліворуч піднімають хрест з Розсудливим розбійником, а праворуч – прибивають цвяхами Божевільного розбійника, що лежить на землі. Біля підніжжя хреста супутники підтримують Марію, що втратила почуття. Уся композиція будується на складних жестах і надзвичайно сміливих ракурсах, що відводять увагу глядача в простір картини.

Розп’яття Христа
Якопо Тінторетто

Зрідка Тінторетто писав портрети. Проте, на відміну від Веласкеса, Гойі та інших майстрів, він не зображував правителів або знаменитостей. Як правило, моделями йому служили прості люди, що оточують його в повсякденному житті.

“Портрет бородатого старого”
Якопо Тінторетто

А найдорожча на даний момент картина Тінторетто – “Портрет бородатого старого”, написаний в зрілий період кар’єри майстра. У 2008 році полотно з кінця XIX століття, що входило в англійську приватну колекцію, було продане на аукціоні Sotheby’s за 3,1 млн доларів.

Якопо Тінторетто помер у Венеції. За своє творче життя він встиг виконати близько 350-ти творів: фресок, великих вівтарних композицій, настінних панно, картин найрізноманітнішого формату.

Читати далі →

Ольга Родняк

Написано Образ Мистецтва

Оля Родняк

Окрім картин я створюю скульптурні мотанки. Мене неабияк надихає ця традиційна українська лялька, адже її історія зближує мене з моїм корінням. Її значення для мене символічне – мотанка не лише оберігає Україну від ворога, але й об’єднує всіх українців для зцілення від ран минулого. Упродовж століть багато українців пожертвували своїми життями заради волі для Батьківщини, у тому числі тисячі людей від початку революції Гідності. Ось чому я вирішила створити скульптуру мотанки з гіпсу, – матеріалу, який застосовують для зцілення зламаних кісток. Я відчуваю, що українці зазнали багато ран і, можливо, ніколи не мали достатньо часу для того, щоб визнати свій біль і зцілитися від нього. Перший крок до зцілення – визнання болю. Це дозволить нам зберегти вірність самим собі й нашим нащадкам, додасть наснаги й відкриє шлях для перетворення України на незалежну й квітучу країну.


Роботи Олі приймали участь у групових та персональних виставках, нещодавні відбувалися в галереях Посольстві США в Римі, в Українському ,Інституті Америки в Нью-Йорку, Tauver’s Gallery International в Києві. Багато її мистецьких робіт були даровані для виставлення на благодійних аукціонах.

Оля Рондяк народилася у Сполучених Штатах у 1966. Вона отримала ступінь бакалавра у галузі психології та освіти у коледжі Hunter у Нью-Йорку. Пропрацювавши соціальним робітником в Бруклині, вона продовжила навчання, щоб отримати диплом Магістра з Кліничної Психології та Консультуванню спільнот. Навчаючись переважно самостійно, вона також вивчала мистецтво в Україні та Угорщині.

Оля та її чоловік Петро переїхали до України в 1995 році. Батьки Олі емігрували з України під час Другої світової війни, та виховали дівчину з любов’ю та цікавістю до свого коріння. Оля і Петро в даний час мешкають у Києві з донькою Майєю та їхніми собаками, Долею та Амі, а їхній син Роман та дочка Калина повернулися до Америки. Художниця працює у своїх студіях в Києві та Нью-Йорку. На створення картин її надихнув досвід родичів та її досвід життя в Україні, події Другої світової війни, сталінська «залізна завіса», Помаранчева революція та Революція гідності 2014 року.

Оля Родняк

В Україні я зрозуміла, що моє мистецтво набагато більше, ніж я сама. Воно поєднує людей. Я завжди відчувала особливий зв’язок зі своєю бабусею, якої ніколи не бачила, і живучи тут і надихаючись Україною, я відчуваю духовне єднання з нею, відчуваю, як вона передає мені свій дар художниці, щоб я продовжувала ту нитку, яка єднає серця українців. Тепер я маю її наснагу, і це ще більше зміцнює мою віру в силу, яка живе в серцях українців. Гадаю, час для виставки вибраний ідеально.
Так само, як я колись зіштовхнулася з необхідністю гартувати власну ідентичність, гадаю, що після Майдану українці також переживають новий період національної ідентичності. Попри те, що Україна вже 26 років незалежна, для об’єднання всіх складових національної ідентичності знадобиться ще чимало часу, щоб зміцнилося українське коріння. Саме в цьому я вбачаю аналогію зі своєю перерваною ідентичністю.
Читати далі →